Bad Guy - Kim Ki-duk - 2002 - Korea

A Snake of June - Shinya Tsukamoto - 2002 - Japon

Elegy of a Voyage - Aleksandr Sokurov - 2002 - Rusia

Elegía de un viaje (2001), indispensable obra maestra de Sokurov. Ejemplo de cine-ensoñación de raro poder evocador, asistimos al fantasmagórico trayecto de un viajero que deja atrás el riguroso invierno ruso para encontrarse ante las puertas de un museo iluminado por la luna, en la noche templada de una ciudad desconocida. Por el camino han ido quedando imágenes fuertemente oníricas de un monasterio ortodoxo ("Si cristo rezó para no ser crucificado ¿cómo puedo aceptar su sacrificio?"), de bosques, ciudades grises y espectrales, nubes, neblinas, mares, luces que atraviezan el encuadre como estellas fugaces, rostros, encuentros, en una sucesión que transcurre como "ante el vuelo nocturno de un ave" (el punto de partida del filme se inspiró, explica Sokurov, en el largo travelling en coche de María). Como arrastrado por una fuerza invisible el viajero recorre las salas del edificio (el Museo Boijmans de Rotterdam), deteniéndose en algunos cuadros hasta descubrir La plaza y la Iglesia Santa María en Utrecht (1765) de Pieter Saenredam. Su atmósfera, su calma, "lo explica todo, lo consuela todo", los niños juegan en la plaza, los muros de la iglesia permanecerán siempre en pie; parece escucharse aún el canto de los pájaros y el aleteo del viento casi puede percibirse. La mano del viajero acaricia la tela, y el brillo y belleza de sus formas se disuelven en la oscuridad… El tratamiento en post-producción de la imagen vídeo resulta sorprendente (recordando al de su espléndida Madre e hijo), consiguiéndose todo un catálogo de efectos ondulantes que agitan suavemente las superficies, en bella sintonía con el clima irreal de este relato soñado. El montaje revela una magistral fluidez, surgiendo la naturaleza, antes de la llegada a la ciudad, como un tránsito constante de estados gaseosos y semisólidos. El fondo sonoro (Chopin, Glinka, Mahler, Tchaikovsky) se desplaza por otra parte a primer plano de la narración, conformando con la imagen un sutil juego de competencia expresiva: "las imágenes permiten caminar y el sonido volar. Éste es más universal, más espiritual, que la imagen"

El principio de la incertidumbre - Manoel de Oliveira - 2002 - Portugal

Drama / SINOPSIS: Aunque Antonio pertenece a una rica familia y José es hijo de la sirvienta, han compartido su infancia bajo la protectora mirada de la criada, atenta a sus mínimos gestos. Con el paso de los años el amor estrechará los lazos entre ellos dos: Antonio se casa con Camila, de la cual José siempre ha estado enamorado, y tiene por amante a la peligrosa Vanessa, socia de José en oscuros e inconfesables negocios. El diablo interviene y se burla cruelmente de la criada que siempre ha intentado en vano conjurar la mala suerte. La trama de estos cuatro destinos entrecruzados pasará por las llamas del infierno. (FILMAFFINITY)
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"Elogio y arte del circunloquio. (...) Ama las palabras este aristócrata de las imágenes, pero las ideas de Oliveira entran sin voz, calladamente, por los ojos." (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)

Desnudos (Nackt) - Doris Dörrie - 2002 - Alemania

Emilia y Felix, Annette y Boris, y Charlotte y Dylan son amigos íntimos desde hace muchos años. Pero los buenos días han pasado hace tiempo. Emilia y Felix ha roto recientemente y todavía está pasando por los duros trámites de la separación. Felix está financieramente mal, mientras que el fulgurante éxito de Dylan con sus inversiones en bolsa le han convertido, a él y a su mujer Charlotte, en millonarios, aunque no más felices. Por su parte Annette y Boris parecen realmente felices a primera vista pero... ¿Lo son realmente? Una noche comienzan a jugar a ver si son capaces de, con los ojos vendados, reconocer a su pareja exclusivamente por el tacto de sus manos. Entonces descubren más de lo que nunca quisieron saber acerca de las fermonas y sus sentidos... y que estar desnudo es mucho más que quitarse la ropa.


"Comedia reflexiva y melancólica entorno a seis personajes, tres parejas en distintas fases de estabilidad o deterioro. (...) La singularidad, el dinero, el amor, las ideas preconcebidas y los espejismos sentimentales marcan las reglas de juego de este entretenimiento agridulce, repleto de referencias a distintas vanguardias cinematográficas, al formalismo del cine japonés o a la comedia del arte."

Dark Water - Hideo Nakata - 2002 - Japon

Terror / SINOPSIS: Yoshimi Matsubara, una mujer recién divorciada, lucha para obtener la custodia legal de su hija de cinco años. Su ex-marido no está dispuesto a facilitarle las cosas y saca a relucir su pasado de alucinaciones y tratamiento psiquiátrico. Madre e hija se mudan juntas a un pequeño apartamento, oscuro, triste y mohoso. La pequeña Ikuko comienza a ir a su nueva escuela y Yoshimi ha encontrado un nuevo trabajo. Pero la persistente presencia de agua sucia en el nuevo edificio parece el heraldo de los peores presagios. Agua sucia en el ascensor, en el techo del apartamento, bajo la puerta de uno de los pisos.... Además de la misteriosa presencia de una mochila roja que había pertenecido a una niña que desapareció dos años antes. Aunque Yoshimi lucha desesperadamente para encontrar en su interior fuerzas pensando en Ikuko, su terror va en aumento a medida que se acerca al descubrimiento de la conexión entre todos estos sucesos; y no está nada preparada para la verdad que le depara el futuro. (FILMAFFINITY)
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Nueva colaboración en el género del tándem Nakata - Suzuki, que tan buenos resultados de crítica y público consiguió con "The Ring" -Ringu, 1998-. (FILMAFFINITY)

Blue.Gate.Crossing. - Chin-yen Yee - 2002 - Taiwan

Comedia dramática sobre una joven taiwanesa que duda entre si le gustan los chicos o las chicas. Ker-rou y Yueh-chen son dos amigas del instituto que a sus 17 años están descubriendo las sensaciones propias de la adolescencia. Ke-rou trata de actuar como mensajera de su amiga con un chico que le gusta, pero con el paso del tiempo la joven comienza a dudar de su propia sexualidad, pues se da cuenta de que quizá sea lesbiana y esté enamorada de ella.

Bad Guy - Kim Ki-duk - 2002 - Corea

Historia de un amor obsesivo por parte de un taciturno chico del arrabal hacia una bella joven de clase media, que le lleva a atraparla en su tela de araña, tendiéndole una trampa que la arruina y la hace introducirse en el mundo de la prostitución para cubrir sus deudas, con el fin de que él pueda poco a poco ir acercándose a ella, salvarla y conseguir que le ame.

Arca Rusa, El - Alexander Sokurov - 2002 - Rusia

Drama histórico / 2000 actores. 300 años de la historia de Rusia. 33 habitaciones del museo Hermitage. 3 orquestas tocando en directo. 1 única escena. Un aristócrata francés del siglo XIX se pasea por el museo Hermitage de San Petersburgo encontrándose con personajes de la historia de Rusia. Publicitada como la única pelicula en la historia del cine que está filmada en una sola toma. 96 minutos rodados en un plano con una cámara digital de alta definición. Su virtuosismo, su complejidad y su originalidad consiguieron el unánime aplauso de la crítica, que la alabaron con unas críticas tan impresionantes como el alarde de la propuesta. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)
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"Una de las películas más asombrosas jamás realizadas" (Roger Ebert: Chicago Tribune)
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"Un asombroso tour de force de magia cinematográfica" (Stephen Hunter: Washington Post)
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"Magnífica" (Stephen Holden: The New York Times)
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"Visualmente asombrosa" (Kenneth Turan: LA Times)
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"Tiene una virtuosidad sin precedentes" (Richard Corliss: Time)
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"Propuesta admirable, insólita desde el punto de vista del lenguaje, un de las más radicales de toda la historia del cine (...) un desafío inmenso, sólo al alcance de unos pocos cineastas; y vale la pena verlo, aunque en ocasiones uno pueda sentir que se queda momentánea, aunque también anheladamente, en provisional fuera de juego" (M. Torreiro: Diario El País)

Ararat - Atom Egoyan - 2002 - Canada

Drama / SINOPSIS: Un joven llamado Raffi (David Alpay) vuelve a Canadá con latas de película de 35 mm, algunas videocasetes digitales y un secreto. Durante el control aduanero, el funcionario, David (Christopher Plummer), siente curiosidad por descubrir lo que esconde Raffi, el cual declara que sólo lleva material extra para una película que se está rodando en Toronto. Pero David sospecha que miente y el interrogatorio se convierte en un auténtico examen psicológico que revela fragmentos de sus respectivas historias personales. Ararat entrelaza las historias de dos familias, con conflictos interiores sin resolver. Raffi, de origen armenio, lucha con el recuerdo de su padre y con las reacciones opuestas que dicho recuerdo suscita en su madre, Ani (Arsinée Khanjian), obsesionada por un pasado que niega, y en su hermanastra, Celia (Marie-Josée Croze), que culpa a Ani por la muerte de su padre. Por su parte, David intenta entender y aceptar la relación que su hijo Philip (Brent Carter) tiene con un actor de origen turco, Alí (Elias Koteas), al tiempo que intenta establecer una sólida relación con su nieto, Tony, el hijo de Philip. (FILMAFFINITY)
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La realización de una película sobre el holocausto armenio de los años veinte tendrá un gran efecto sobre un joven de 18 años contratado como conductor en el rodaje de la producción. Agoyan refleja el conflicto de Armenia y Turquía a través de la historia contemporánea de dos familias separadas y su búsqueda de la reconciliación y la verdad, enfrentándose a un pasado terrible y un presente complicado. (FILMAFFINITY)
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"Una película casi genial que, en su última parte, parece como si echara una carrera a sí misma entre su corazón y su cabeza. El corazón gana por un centímetro." (Stephen Holden: The New York Times)
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"Tiene sus momentos." (Mike Clark: USA Today)
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"Quizá la película esté tan cerca del corazón de Egoyan que no es capaz de retroceder y tomar una buena perspectiva" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
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"No conecta con el público en el único lugar que importa: el corazón." (Desson Howe: Washington Post)
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"Genial reflexión sobre el genocidio del pueblo armenio y el pozo sin fondo del factor humano. Es apabullante. (...) obliga a repasar, a tratar de ordenar en la memoria la inmensa cantidad de sensaciones con las que le han bombardeado. (...) esta película es única e imprescindible." (María Casanova: Cinemanía)
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Amarelo Manga - Cláudio Assis - 2002 - Brasil

Sinopsis

"Amarelo Manga" es una historia de encuentros amorosos y malentendidos. Guiados por sus pasiones, los protagonistas penetran en un universo de trampas y venganzas, de sueños irrealizables, todos en su constante búsqueda de la felicidad. Este universo es la vida de los satélites y de aquellos que giran sobre su propia órbita, coloreando la vida con su brillo amarillo hepático. No el amarillo del oro, ni del brillo, ni de la salud, pero sí el amarillo del empañado día a día, del desgaste y el envejecimiento. Amarelo Manga es un conjunto de historias cortas que se desarrollan alrededor de un bar y un hotel frecuentados por un puñado de excéntricos personajes: un carnicero infiel casado con una devota cristiana, el cual es asediado por un chef gay bastante tenaz, además de otro individuo que ahora tiene puestos los ojos en la dueña del bar.

La historia

"Amarillo es el color de las mesas, los bancos, los tambores, las aletas y cola de los peces pexeiras, los carros de bueyes, las chapas envejecidas. Las Charcas. Amarillo es la enfermedad, las lagañas de los ojos de los niños, las supuraciones de las heridas, los gargajos, la hepatitis, la diarrea, los dientes podridos. Tiempo pasado amarillo. Verlo, desbordado, decadentemente..." Esta cita de Ranto Carneiro Campos sintetiza el espíritu de "Amarelo Manga", cinta ganadora del premio del publico durante el Festival de Cine de Brasil en 2002.

Con su filme armado como un mosaico, Assis opta por un realismo que se mezcla con tonos de documental, con el énfasis y la exageración como un elemento conductor. Amarelo Manga muestra la historia de Dunga (Matheus Nachergaele), habitante de un hotel decadente que alimenta un amor imposible por Wellington (Chico Díaz), un carnicero esposo de la religiosa evangelista Kika (Dira Paes). En circunstancias atípicas ésta conocerá a Issac (Jonas Bloch), un hombre malhumorado que vive en las inmediaciones de Recife. Issac desea intensamente a Lígia (Leona Cavalli), una solitaria mujer de bar que recibe ataques masculinos a todas horas.

El desfile de los rostros sufridos por el pueblo recifense deja ver cómo gente del pueblo brasileño puede llegar a parecerse a los personajes de ficción. Un filme con una estructura dramático-narrativa poco común.
(Mario Gioia en Cinemascope, 15 de agosto de 2003)

Sobre el filme

Locaciones mundanas, inmundas y periféricas, son el escenario de "Amarelo Manga", filme del director pernambuncano Cláudio Assis. Filmado en las viejas casuchas y pocilgas de Recife, el filme está poblado por personajes no menos periféricos y dignos habitantes de sus alrededores. Sus historias están interrelacionadas y complementarias, se remiten a la desesperanza o al caos de una nación de excluidos que retratan con dureza, con buen humor y salvajismo, crudas situaciones al limite que son desconocidas por gran parte de la gente.

El director recrea con su cámara la vida de estos seres anónimos, inexistentes e inimaginables para las clases acomodadas del Brasil moderno. Y señala con el dedo la herida como una pestilente llaga abierta a la realidad. Este submundo es representado por un carnicero psicópata, una evangélica de oficio, un cocinero homosexual y una prostituta de bar, todos sumergidos en la monotonía de sus vidas, en medio y, al mismo tiempo marginados, de la modernidad del país.

Se trata de una historia general y vivencias particulares dignas de las grandes tragedias, con personajes creados por la excelente pluma del guionista Hilton Lacerda que toman vida con la intensidad que le imprimen los brillantes actores. Sus problemas y miserias revelan la enorme desigualdad entre los submundos que se forman en las grandes ciudades. En estos ambientes contrasta la atmósfera festiva del espíritu brasileño aún en las situaciones trágicas.

El mundo que se crea en torno a estos personajes, desde un principio, se muestra un tanto caricaturesco, gracias a la mirada, el coraje y perspectiva de un director de la región de Pernambuco, sin miedo a ser cuestionado y relegado en el ambiente cinematográfico. El realizador crea un universo único e inexplotable en su totalidad, dando pauta a su enorme complejidad.

Rudos y violentos son los personajes representados en el filme, muestran el embrutecimiento de su lado humano. La brutalidad de nuestras / sus vidas aumenta cada día con los problemas cotidianos, muchas veces de origen financiero, y constituyen verdaderas fortalezas de odio, donde la violencia y el salvajismo imperan, como producto del miedo. Los hombres y las mujeres de "Amarelo Manga" son los autorretratos del Apocalipsis que está por venir. Sus deseos y temores son hiperlativos, correspondientes e inherentes a la desgracia general.

Lo regional y lo particular son los límites extremos de la historia. El film es una clase sobre cómo hacer cine de autor en Brasil. De forma visceral, el director y el fotógrafo Walter Carvalho, nos guían por las ruinas de Recife. La ciudad y sus moradores se confunden con los actores, en tomas libres de embellecimiento y símbolo de una nueva cinematografía libre de banalidad. La cámara siempre libre, suelta, parece perderse en algunos momentos entre las ruinas de la ciudad pernambucana. Los rostros tomados por la cámara son reales y suyos. Las personas que circulan se transforman en personajes de este intrincado juego de violencia.

La violencia que está siempre latente nunca se consuma, a pesar de la constante impresión de que está próxima: Gracias a los innumerables conflictos que brotan en la trama, la violencia nunca termina. La única escena que puede ser tachada de violenta es también gratuita, pero esto depende de la sensibilidad del crítico o el espectador. La agresión de un buey, violenta por su plasticidad y de intención simbólica, es extremadamente fuerte y única. Así, al acorde de las guitarras de Nação Zumbi, vemos la muerte a través de los ojos de un buey.

Magníficos son los símbolos. El filme es un retrato del pesimismo de una ciudad saturada o sorteada por religiones. Todo parece estar para mostrar los caminos de un mundo sin espectáculos y sin ídolos.

A Snake of June - Shinya Tsukamoto - 2002 - Japon

2002: Sitges: Mejor dirección artística, nominada a la mejor película / Drama. Misterio / SINOPSIS: Rinko Tatsumi es un reservada treintañera que trabaja como consejera en una línea telefónica de un centro de salud y que está casada con un exitoso hombre de negocios. No tienen hijos. Es junio, la estación lluviosa en japón, y un día Rinko recibe una misteriosa carta que contiene fotos de ella misma masturbándose...